Solo Show at Better Go South Stuttgart

The starting point for the works is a standardized placeholder image, as it appears in digital space when an image is missing, still loading, or unavailable. In its translation into acrylic painting on canvas, this technical symbol loses its neutrality and becomes a physical, singular object. The absence marked by the placeholder itself becomes a presence: visible, material, and exhibitable. A central element of the exhibition is the art transport crate, which is not only packaging but an integral part of the work. It refers to storage, circulation, market mechanisms, and institutional frameworks. Similar works and concepts repeatedly play a role in the artist’s oeuvre.

The works are situated in the context of a digital image culture in which images are constantly produced, loaded, replaced, and moved. Here, the placeholder becomes a form of thought: an image without content that structures perception. It rejects narrative and message and opens up a space for reflection on images, meaning, and their conditions.

Eine Gruppenausstellung mit 7 Positionen aus den Programmen von Eigen + Art und Eigen + Art Lab, ausgewählt von Jan Kage und 7 Positionen aus den Programmen von Schau Fenster und Kanya & Kage, ausgewählt von Judy Lybke

Alexandra Baumgartner, Maja Behrmann, Anina Brisolla, Jan Brokof, Lukasz Furs, Annika Hippler, Stef Heidhues, Lou Hoyer, Suah Im, Madeleine Roger Lacan, Eric Meier, Bettina Scholz, Charlie Stein, Felix Leon Westner.

Weißt du noch, wie es am Anfang war? Als Kunstzeigen Sinn an sich war und aus reiner Freude inszeniert wurde? Als es noch nicht ums Verkaufen, sondern allein ums Verbinden ging? Als wir sowieso kein Geld brauchten? Wenig zum Leben und noch weniger, um was Großes auf die Beine zu stellen? Der Spirit aus dem alles weitere wuchs und der heute noch unsere Aktivitäten durchweht. Da kommen wir wieder hin. Da tanken wir auf. Das inszenieren wir. Ganz groß.
Ein Eröffnungsevent bei dem hier ausgestellte Künstler*innen – so sie auch Musik machen – DJs sind, live ihre Lieder performen, ihre Gedichte lesen usw. Dieses Event soll Verkaufsveranstaltung sein, – buy art of living artists! – aber eine Stimmung erzeugen, wie wir sie am Anfang unserer Ausstellungskarrieren hatten: ein bißchen anarchisch, mit viel Raum für Unerwartetes – ein Abend, den man mit-erlebt haben will.

Talkabend: “mitbringsel”: Die Welt noch besser machen! 
Nicht, dass sie nur gut wäre, die Welt. Vieles sieht gerade richtig schlimm aus, mit der Perspektive auf geht noch schlimmer. Dennoch: Sie ist immer beides. Die Medienaufmerksamkeit wird über das Negative getriggert und das macht krank. Das Glas ist halb voll, das Glas ist halb leer. Lass uns auf das Positive fokussieren und dem Schlimmen eine Alternative zeigen.
MITBRINGSEL eine Salonabend mit Judy Lybke und Jan Kage und Gästen und den Künstler*innen der Ausstellung bei dem auch das Publikum was mitbringen darf: eine Frage, ein Lied, ein Aufruf – all das, was die Welt braucht, um noch besser zu werden. Freude, Feier, feine Sache.

RE:NATURE is curated by Berlin-based artist Sylvain Brugier and brings together recent works by 11 artists working in Berlin, Paris, Halle/Saale and Tokyo.

The exhibition sheds light on the role the ecological crisis has played in prompting artists to open up to other ways of perceiving and representing the world, ways that enables us to rethink our relationships with the beings and things that inhabit it.

Through the medium of painting and installation, the 11 artists explore the feeling of powerlessness that arises from these environmental changes, and how this feeling translates into a new form of mental load described by terms such as eco-anxiety, solastalgia, or ecological mourning. This situation calls for new imagined forms that might bridge the discontinuities which are at the root of the troubles we now need to face and “stay with” (Donna Haraway).

The anthropological considerations of Philippe Descola have tinged these artists’ consideration of form and texture as material experimentation with a sense of urgency. Indeed, in his book Les Formes du visible (Forms of the Visible), Descola elaborates a typology of modes of identification and relationship that does away with the nature/culture dichotomy. He suggests instead new criteria of differentiation: interiority and physicality, on the one hand, and resemblance and difference, on the other. In this new typology, an image is defined by any form of figuration that makes visible something that is not ordinarily visible. Images can thus express the way in which a collective represents restored relationships of continuity between humans and non-humans.

The artists taking part in RE:NATURE are themselves related thanks to the community that brings them together. Their usage of both abstraction and figuration as a means to explore a sense of place goes beyond visual materiality to challenge and rethink the modern vision of art as the imitation of a nature that would be external to us.

Action and consequences präsentiert CSR.ART Contemporary Show Room zum Finale des Jahres eine Gruppenausstellung mit Pop Art von Roy Lichtenstein und Andy Warhol über BANKSY bis in die Gegenwart.

Pop Art macht gute Laune und feiert das Leben – in allen Spielarten von Banal bis Transzendental. Pop Art reicht von Super Slick bis Very Dirty, von Beautiful bis Ugly, von Good bis Bad. Wie Andy Warhol sagte: „Wenn du alles über Andy Warhol wissen möchtest, betrachte nur meine Oberfläche, die meiner Gemälde und Filme, und da bin ich. Nichts ist dahinter.” Die Oberfläche hat alle Informationen.

Brandaktuell sind die Arbeiten von Kennet Lekko, dem wie Mark Kostabi aus Estland stammenden Neu-Berliner, dessen ironisch-sarkastische Arbeiten an Keith Haring und Basquiat erinnern. Wolfgang Müller, Hoosen, Lukasz Furs, der gerade verstorbene Pietro Sanguineti. Jurgen Ostarhilds Super-Close-Portrait von Martin Kippenberger aus den 90ern korrespondiert mit einem original Kippenberger Offset-Druck aus den 80ern. Und Charlie Stein, deren Großformat mit dem Motiv einer rennwagenfahrenden Roboterin ein zentrales Piece der Ausstellung bildet. Ihre fünfzig kleinformatigen Polaroids für je 40 EUR sind für jeden Besucher der Ausstellung erschwinglich und machen noch einmal den Punkt, das Pop Art in all ihren Facetten immer zutiefst demokratisch war, auch wenn sie längst in den großen Museen angekommen ist.

Berlin-Based-Pop-Art-Pop-Up

This Monday we will have the opening of the exhibition FABRIK 50 Years of Berlin Based Pop-Art curated by Holm Friebe at roam project space.

Hey! Some great news – tomorrow we are suprisingly open an exhibition.
Christmas is approaching, and this is a great chance to buy art.
See you tommorow!

Menno Aden, Jim Avignon, Katharina Arndt, Martin Baaske, Fehmi Baumbach, Julius Bobke, Maxim Brandt, Alexandru Mihai Budes & Lisa Marie Schmitt, Jeroen Cremers, DAG, Galya Feierman, Roman Frechen, Holm Friebe, Lukasz Furs, Kennet Lekko, Roman Manikhin, Guthrie McDonald, MMachine, Tobias Molitor, Wolfgang Müller, Jurgen Ostarhild, Babette Semmer, Bettina Semmer, Johanna Smiatek, Charlie Stein, Betty Stürmer, Lukas Troberg, Luke Velten

Curated by Evelyn Drewes Galerie

Nie war die Vielfalt der Materialen in der Kunst so reich wie heute. Unterschiedliche Oberflächen, Temperaturen und Konsistenzen, aber auch handwerkliche Techniken und Herangehensweisen bestimmen die Gestalt der Objekte. Im Herstellungsprozess konturiert sich erst im Dialog mit dem Material eine Gestaltungsabsicht. Die Werke entfalten ihren Ausdruck in der materiellen Beschaffenheit und bringen eine neue Kunstbegegnung zum Vorschein. So finden sich unterschiedliche Aufforderungscharaktere wieder, die im Raum zwischen Akteur:in und Werkstoff entstehen. Im Umgang mit ihnen wird ein Handeln hervorgerufen, das gekoppelt mit der entsprechenden Wahrnehmung die Materialeigenschaften erfahrbar macht. Die Werkaussage artikuliert sich im Material – ein Medium von Intention und Intuition.

At Raum LYCRA Hamburg

I’m very happy to invite you to my next show at Raum LYCRA in my Hometown Hamburg. Looking forward to seeing some friends from art school in Hamburg, it definitely will be at blast. Hope to see as much as possible of you lovely people.

Philipp Ackermann, Patrick Alt, Elia Beyer/Emely Mair, Joscha Blankenburg, Julius Bobke, Adrian Buschmann, Naomi Citlali, Sophie Darwisch, Thorben Eggers, Lukasz Furs, Felix Gienger, Diane Häfner, Janus Hochgesand, Daniel Hörner, Henning Kles, Richard Klippfeld, Tilman Knop, Inge Krause, Jessica Leinen, Anne Linke, Linus Lohmann, Anna Mieves, Micha Mohr, Lawrence Power, Christoph Rossner, Hannah Rath, Yannick Riemer, Claus Sauter, Sven Scharfenberg, Achim Schauffele, Anton Schön, Verena Schöttmer, Regine Schulz, Anna Steinert, Amanda Trygg, Christoph Wüstenhagen

Der Ausstellungstitel „Aw: Re: Wtr: Aw: Title“ von Anina Brisolla und Lukasz Furs verweist auf einen dialogischen Prozess und beschreibt gleichzeitig auch eine Methode. Tatsächlich ist es ganz lapidar die Betreffzeile eines Email-Verkehrs in dem die Künstler*innen Titel und Inhalte der gemeinsamen Ausstellung diskutieren. Gleichwohl kann man dieses Hin- und Herspielen als Methode ihrer Kunst betrachten: In ihrer Herangehensweise ähnlich, arbeiten sowohl Brisolla als auch Furs mit Techniken des Sampling, des Transfers zwischen analogen Medien und digitalen Formaten. Ihr konzeptioneller Ansatz folgt diesem dialogischen Prinzip des Antwortens, Zurückspielens und Weiterleitens in der Ausprägung der formalen Entsprechung.

In Brisollas Werkserie ‚fabrics (true/ false)‘ befragt die Künstlerin Techniken des Programmierens auf analoge Art: Sie schreibt die Begriffe ‚true‘ und ‚false‘ per Hand mit aushärtendem 3D-Druck-Filament hintereinander weg und zwar so, dass sich Zeile um Zeile an der zuvor liegenden festklebt und diese sich gegenseitig tragen. Es entstehen zwei Textobjekte, die übereinanderlegt einen gewebten oder gestrickten, also textilen Eindruck erwecken. Und tatsächlich bedeutet das lateinische Wort „text“ ebendas: Gewebe (der Rede). Ein interessanter Nebenaspekt dieser Arbeit ist, das das Wort ‚computer‘ nach dem zweiten Weltkrieg für programmierende Frauen benutzt wurde. Der ENIAC, der erste programmierbare Universalcomputer wurde von sechs Frauen programmiert, die aus einer Abteilung menschlicher Computer der NASA kamen. Brisolla verweist auf iesen Aspekt mit einer Zeichnung der Anzeige, die am zweiten Mai 1892 in der New York Times erschien.

Die Logik, welche Algorithmen und binäre Codes in die Gesellschaft tragen, steht im Widerspruch zu menschlichen Handlungsmustern. Dieser Widerspruch zieht sich leitmotivisch durch Brisollas Werk der letzten Jahre. In ihren ‚grid drawings‘, einer neuen, bisher nicht gezeigten Werkserie arbeitet die Künstlerin auf analytische Weise mit dem Verfahren des 3D-Drucks. Sie ersetzt die durch den Computer berechnete und gesteuerte Mechanik des Druckkopfs durch die Bewegung ihrer Hand entlang vorgegebener Bewegungslinien. Dieser technisch einfache Kniff führt Brisollas inhaltliche und formale Überlegungen zu Digitalität und analogem Handeln visuell und gedanklich konsequent fort.

A Trockenbau & Konzeptkunst Enterprise

Cosmic Engines of Metaphysical Superpower was the third exhibition organized by Trockenbau & Konzeptkunst, a project founded by Lukasz Furs in 2017.

Originally started with T-shirts commenting on the art world, the project gradually developed into an exhibition format. For this third edition, works by Barbara Prenka, Anja Schwoerer, Arne Schreiber, Vladimir Mitrev and Lukasz Furs brought together different approaches to painting, textile, drawing, video and digital image production.

The exhibition included a site-specific wall drawing by Arne Schreiber, textile works by Barbara Prenka and Anja Schwoerer, time-based paintings by Vladimir Mitrev, and works by Lukasz Furs emerging from his ongoing exploration of images and digital processes.